Koreański monochromatyczny ruch malarski przeżywa Nowy Jork

Widok instalacji

Widok instalacji „Yun Hyong-keun” na Blum & Poe (Zdjęcie dzięki uprzejmości Blum & Poe)

termin dansaekhwa, czyli „malarstwo monochromatyczne”, może wymykać się czytelnikom nieznanym z języka koreańskiego, ale reprezentuje prawdopodobnie najważniejszy ruch artystyczny Korei końca XX wieku. Artyści, którzy praktykowali takie podejście do malarstwa, zaczęli pojawiać się na początku lat 70., kiedy Republika Korei była jeszcze pod dyktaturą wojskową. Byli wśród nich m.in. Park Seo-bo, Ha Chong-hyun, Yun Hyong-keun, Kim Whanki, Chung Chang-sup, Chung Sang-hwa i Lee Ufan. Malarze ci byli niezadowoleni z kulturalnej bliskości Korei Południowej i zaczęli malować w sposób kwestionujący normatywną estetykę, do której przyzwyczaiła się większość Koreańczyków. Na początku artyści pracowali samodzielnie bez nazwy grupy i tożsamości. Dopiero w 2000 roku na wystawie w Muzeum Sztuki miasta Gwangju wprowadzono termin Dansaekhwa.

pojawienie się tego słowa zbiegło się z 20.rocznicą powstania w Gwangju, ważnym momentem we współczesnej historii Korei, kiedy protestujący wyszli na ulice, aby przeciwstawić się kontrolowanej wówczas dyktaturze wojskowej. Pod wieloma względami powstanie to było porównywalne z protestami na Placu Tiananmen w Pekinie prawie dekadę później. Podobnie w Gwangju uzbrojeni żołnierze otworzyli ogień do studentów i zwykłych obywateli w serii starć, które kosztowały setki istnień ludzkich. To smutne, ale decydujące Wydarzenie Historyczne jest powszechnie cytowane jako koniec rządu wojskowego w Korei Południowej i początek wolnej demokracji, jaką Republika jest dziś znana. W latach 70., przed powstaniem w Gwangju, opresyjny reżim był wiążącą siłą w podziemiu wśród artystów Dansaekhwa w Seulu.

Yun Hyong-keun, "Umber-Niebieski" (1978), olej na płótnie, 25 13/16 x 31 7/8 cala. (dzięki uprzejmości Blum Poe)

Yun Hyong-keun, „Umber-Blue” (1978), olej na płótnie, 25 13/16 x 31 7/8 cala. (dzięki uprzejmości Blum &) (Kliknij aby powiększyć)

jedną z czołowych postaci Dansaekhwy był Yun Hyong-keun (1928-2007), którego prace można obecnie oglądać w Blum & Poe w Nowym Jorku. Wystawa obejmuje wybór małych i średnich obrazów z jego definitywnej serii Burnt Umber i ultramaryna, która rozpoczęła się w 1972 roku i trwała do końca jego kariery. Pigmenty mineralne są mieszane i nakładane w serii gęsto skonstruowanych nakładek, najczęściej wylanych olejem na len, przy użyciu dwóch kolorów symbolizujących ziemię i powietrze. Formy Yun ’ a sugerują drzewa i głazy, a także struktury geometryczne, wszystkie wylewane i malowane w sposób wysoce redukcyjny. Jeśli chodzi o znaczenie i pochodzenie tych obrazów, Yun jest cytowany w niedawnej monografii: „nie mam pojęcia, co powinienem malować i w którym momencie powinienem przestać malować. Tam, pośród takiej niepewności, po prostu maluję. Nie mam żadnego celu. Chcę namalować to coś, co jest niczym, co zainspiruje mnie bez końca do kontynuowania.”

rzadko wypowiedź artysty brzmi tak trafnie w opisie procesu malowania. Wyczuwanie tej jakości w pracy Yun 'a jest być może tym, co skłoniło minimalistycznego rzeźbiarza Donalda Judda do objęcia mniej znanych obrazów koreańskiego artysty na początku lat 90. wprowadzenie Judda do pracy artysty, a w końcu do samego artysty, doprowadziło Minimalistę do zebrania i zainstalowania wybranych obrazów Yun’ a w Chinati Foundation w zachodnim Teksasie (a później w Nowym Jorku). Wystawa w Blum & Poe jest pierwszą w Nowym Jorku od czasu, gdy 18 lat temu po raz pierwszy pokazano tu kolekcję prac Judda. Wśród ostatnich wystaw z udziałem artystów Dansaekhwa w Nowym Jorku, obrazy Yun ’ a wydają się głęboko refleksyjne, mocne w zachowaniu i nieubłaganie destylowane w kategoriach hermetycznego stylu artysty, organicznego i geometrycznego kształtu i kolorów.

widok wystawy 'Ha Chong-hyun: Koniunkcja' w Tina Kim Gallery (zdjęcie dzięki uprzejmości Tina Kim Gallery)

widok wystawy ’ Ha Chong-hyun: Koniunkcja „w Galerii Tina Kim (Zdjęcie dzięki uprzejmości Tina Kim Gallery)

inny z artystów Dansaekhwa, Ha Chong-hyun, dopasował Yun’ a w jego długoterminowym zaangażowaniu w konkretną serię, opartą na konceptualnych i duchowych ramach. Ważna praca Ha, zwana Koniunkcją-a obecnie tematem wystawy w Tina Kim Gallery-rozpoczęła się na początku lat 70. jego płótna różnią się bardziej niż inni malarze Dansaekhwa, ale zachowują spójność dzięki agresywnemu reduktywizmowi. Formy Ha nie ustępują łatwo jego podejściu do XVII-wiecznego malarstwa dynastii Joseon, w którym pigmenty są wypychane zza płótna (lub wcześniej grubej płótna) przez splot i porowate otwory. Po przedostaniu się pigmentów do płaszczyzny czołowej artysta zaczyna modelować i zeskrobywać lepką farbę za pomocą płaskich noży i kielni. Praca Ha ma wyrazisty, niemal obsesyjny wygląd. Jego pofałdowana powierzchnia wynika ze sposobu, w jaki ciągnie farbę od dołu lub od góry w dół na fragmenty przypominające zwoje. Fragmenty te są potężne i wytrwałe, ponieważ zasadniczo kontrolują sposób, w jaki ewoluuje powierzchnia.

 Ha Chong-hyun, "Koniunkcja 96-151" (1996), olej na płótnie konopnym, 72,83 x 72,83 cala. (dzięki uprzejmości Tina Kim Gallery)

Ha Chong-hyun, „Koniunkcja 96-151” (1996), olej na płótnie konopnym, 72,83 x 72,83 cala. (dzięki uprzejmości Tina Kim Gallery) (Kliknij aby powiększyć)

czasami Ha używa noży do nacinania koreańskich znaków (Hangeul) na powierzchnię, wyzywająco drapiąc splątanie znaków. Ten szorstki manewr nadaje obrazom jednoznacznie gładki wygląd, który może wydawać się sprzeczny z Zachodem, ale z koreańskiego punktu widzenia jest paradoksalny, co oznacza, że jest związany z taoistycznym pojęciem yin-yang. Te dwa przejawy energii (qi) działają nieuchronnie jako pojedyncza siła we wszechświecie. Innymi słowy, światło jest postrzegane przez ciemność, kreatywność jest postrzegana przez zniszczenie i tak dalej. Rozdrobnione znaki Ha, szybko wyryte na powierzchni obrazu, odzwierciedlają jego sprzeciw wobec arogancji władzy w najnowszej historii jego kraju. Zapożyczając się z metod pracy malarzy z okresu dynastii Joseon (1392-1897), nadaje ich procesowi historycznemu miejsce w obecnej epoce postmodernistycznego globalizmu.

podobnie jak jego koledzy z Dansaekhwa, Chung Chang-sup (1927-2011) użył jednej koncepcji, aby wyrazić to, co robi. Zamiast nadawać poszczególnym tytułom jego obrazy, jego praca obracała się wokół jednej koncepcji, medytacji. Wystawa o tej samej nazwie w Galerie Perrotin obejmuje wczesne obrazy z lat 80. i 90., ale także z ostatnich lat jego bardzo produktywnej kariery. Podobnie jak Ha, Chung używał tradycyjnych technik, skupiając się na qi (lub wewnętrznej energii), którą uważał za zaszczepioną w przestrzeniach obrazu. Monochromatyczny odcisk Chunga jest trwale obecny w jego pracach, z paletą minimalnych pigmentów pobranych z gleby, w tym czerni węglowej, ciemnoniebieskiego, białego, gęsto nałożonego czerwonego tlenku i innych jasnych i ciemnych kolorów ziemi.

widok wystawy 'medytacja' w Galerie Perrotin (fot. Guillaume Ziccarelli, dzięki uprzejmości Galerie Perrotin)

widok wystawy 'Chung Chang-sup: Medytacja ” w Galerie Perrotin (fot. Guillaume Ziccarelli, dzięki uprzejmości Galerie Perrotin)

rezonansowe kolory i nieskrępowane stosowanie pigmentów w obrazach tych artystów zachowują konsystencję, która jest emblematyczna dla Dansaekhwa. Są to obrazy konceptualne, oddające wschodni Punkt widzenia, szczególnie koreański w swojej napiętej i surowej fizyczności. Nawet w tamtych czasach przed Internetem, jest prawdopodobne, że artyści byli świadomi nowojorskiego minimalizmu, ale nie powinno to oznaczać, że był katalizatorem dla tych obrazów. Orientacja minimalizmu dotyczyła przedmiotów w realnej przestrzeni i czasie rzeczywistym oraz roli ciała jako środka artykulacji percepcji. Artyści Dansaekhwa nie byli zaangażowani w tego rodzaju pragmatyczne troski, które interesowały minimalistów. Kładli nacisk na fundamentalne podejście do malarstwa, które wiązało się ze szczególnym, kulturowym odczytaniem natury. Pośrednio ich obrazy opierały się oczekiwaniom co do rodzaju sztuki tworzonej pod autorytarnym reżimem. Malowali z korzeni ziemi własnymi pigmentami i kursywą strukturą.

artyści Dansaekhwa jakoś znaleźli sposób w swojej własnej historii i kulturze, aby zrobić coś uniwersalnego, nawet jeśli przez większość swojego życia pracowali we względnej ciemności. To, co współcześni widzowie mogą odkryć w pracach koreańskich malarzy monochromatycznych, to to, jak głęboko odczuwa się naturę poprzez akt malarski i jak wyraźnie odnajdują w tym procesie afirmację-całkowicie jednocząc się ze sobą, po prostu wykonując swoją pracę.

Chung Chang-sup, "Bez tytułu" (1992), tak fiber on canvas, 102 3/8 x 153 17/32 in. (zdjęcie Guillaume Ziccarelli, galerie Perrotin)

Chung Chang-sup, „Bez tytułu” (1992), tak fiber on canvas, 102 3/8 x 153 17/32 in. (zdjęcie Guillaume Ziccarelli, dzięki uprzejmości Galerie Perrotin) (Kliknij aby powiększyć)

Ha Chonghyun: Koniunkcja trwa w Tina Kim Gallery (525 West 21st Street, Chelsea, Manhattan) do 12 grudnia.

Chung Chang-Sup: Medytacja trwa w Galerie Perrotin (909 Madison Avenue, Upper East Side, Manhattan) do 23 grudnia.

Yun Hyong-keun kontynuuje w Blum &Poe (19 East 66th Street, Upper East Side, Manhattan) do 23 grudnia.

wsparcie Hiperalergiczne

ponieważ społeczności artystyczne na całym świecie przeżywają czas wyzwań i zmian, dostępne, niezależne raportowanie na temat tych wydarzeń jest ważniejsze niż kiedykolwiek.

proszę rozważ wspieranie naszego Dziennikarstwa i pomóż utrzymać nasze niezależne raportowanie za darmo i dostępne dla wszystkich.

Zostań członkiem

Dodaj komentarz

Twój adres e-mail nie zostanie opublikowany.