Le Mouvement de La Peinture Monochrome En Corée Vit un Moment À New York

 Vue d'installation de 'Yun Hyong-keun' à Blum Poe (photo avec l'aimable autorisation de Blum Poe)

Vue d’installation de ‘Yun Hyong-keun’ à Blum & Poe (photo avec l’aimable autorisation de Blum & Poe)

Le terme Dansaekhwa, ou « peinture monochrome », peut échapper aux lecteurs peu familiers avec le coréen, mais il représente sans doute le mouvement artistique le plus important de la Corée de la fin du 20e siècle. Les artistes qui ont pratiqué cette approche de la peinture ont commencé à émerger au début des années 1970, alors que la République de Corée était encore sous une dictature militaire. Il s’agit de Park Seo-bo, Ha Chong-hyun, Yun Hyong-keun, Kim Whanki, Chung Chang-sup, Chung Sang-hwa et Lee Ufan, entre autres. Ces peintres étaient insatisfaits de la lassitude culturelle en Corée du Sud et ont commencé à peindre d’une manière qui remettait en question l’esthétique normative à laquelle la plupart des Coréens étaient habitués. Au départ, les artistes travaillaient de manière indépendante sans nom de groupe ni identité. Ce n’est qu’en 2000, lors d’une exposition au Musée d’art de la ville de Gwangju, que le terme Dansaekhwa a été introduit.

L’apparition du mot a coïncidé avec le 20e anniversaire du soulèvement de Gwangju, un moment important de l’histoire coréenne moderne lorsque les manifestants sont descendus dans les rues pour défier la dictature militaire qui contrôlait à cette époque. À bien des égards, ce soulèvement était comparable aux manifestations de la place Tiananmen à Pékin près d’une décennie plus tard. De même, à Gwangju, des soldats armés ont ouvert le feu sur des étudiants et des citoyens ordinaires lors d’une série d’affrontements qui ont coûté la vie à des centaines de personnes. Cet événement historique triste mais décisif est généralement cité comme la fin du gouvernement militaire en Corée du Sud et le début d’une démocratie libre telle que la République est connue aujourd’hui. Tout au long des années 1970, avant le soulèvement de Gwangju, le régime oppressif était une force obligatoire dans la clandestinité parmi les artistes Dansaekhwa de Séoul.

 Yun Hyong-keun, "Umber-Blue" (1978), huile sur lin, 25 13/16 x 31 7/8 po. (avec la permission de Blum Poe)

Yun Hyong-keun, « Umber-Blue » (1978), huile sur lin, 25 13/16 x 31 7/8 po. (avec l’aimable autorisation de Blum & Poe) (cliquez pour agrandir)

L’une des figures de proue de Dansaekhwa était Yun Hyong-keun (1928-2007), dont le travail est actuellement exposé au Blum & Poe à New York. L’exposition présente une sélection de petites et moyennes peintures de ses séries définitives Burnt Umber et Ultramarine, qui ont commencé en 1972 et se sont poursuivies jusqu’à la fin de sa carrière. Les pigments minéraux sont mélangés et appliqués dans une série de superpositions densément construites, principalement de l’huile versée sur du lin, en utilisant deux couleurs symboliques de la terre et de l’air. Les formes de Yun suggèrent des arbres et des rochers, ainsi que des structures géométriques, le tout coulé et peint de manière très réductrice. Concernant la signification et l’origine de ces peintures, Yun est cité dans une monographie récente: « Je n’ai aucune idée de ce que je devrais peindre, et à quel moment je devrais arrêter de peindre. Là, au milieu d’une telle incertitude, je ne fais que peindre. Je n’ai pas d’objectif en tête. Je veux peindre ce quelque chose qui n’est rien, qui m’inspirera sans cesse pour continuer. »

Rarement la déclaration d’un artiste ne semble aussi précise dans sa description du processus de peinture. Sentir cette qualité dans le travail de Yun est peut-être ce qui a conduit le sculpteur minimaliste Donald Judd à embrasser les peintures de l’artiste coréen moins connu au début des années 1990.L’introduction de Judd au travail de l’artiste, et finalement à l’artiste lui-même, a finalement conduit le Minimaliste à collecter et installer une sélection de peintures de Yun à la Fondation Chinati dans l’Ouest du Texas (et plus tard à New York). L’exposition chez Blum & Poe est la première à New York depuis que la collection de Judd de l’œuvre de l’artiste a été présentée ici il y a 18 ans. Parmi la constellation récente d’expositions mettant en vedette des artistes de Dansaekhwa à New York, les peintures de Yun apparaissent profondément réfléchies, d’un comportement fidèle et inexorablement distillées en termes de style hermétique de l’artiste, de formes et de couleurs organiques et géométriques.

 Vue de l'exposition 'Ha Chong-hyun: Conjonction' à la Galerie Tina Kim (photo avec l'aimable autorisation de la Galerie Tina Kim)

Vue de l’exposition ‘Ha Chong-hyun: Conjonction ‘ à la Galerie Tina Kim (photo gracieuseté de la Galerie Tina Kim)

Un autre des artistes Dansaekhwa, Ha Chong-hyun, a égalé Yun dans son engagement à long terme pour une série spécifique éclairée par un cadre conceptuel et spirituel. Le travail important de Ha, appelé Conjonction — et actuellement l’objet d’une exposition à la Galerie Tina Kim — a commencé au début des années 1970. Ses toiles ont tendance à varier plus que les autres peintres Dansaekhwa, mais elles conservent une cohérence par leur réductivisme agressif. Les formes de Ha ne bougent pas facilement de son approche de la peinture de la dynastie Joseon du 17ème siècle, dans laquelle les pigments sont poussés derrière le lin (ou, auparavant, la toile de jute grossière) à travers le tissage et les ouvertures poreuses. Une fois les pigments passés dans le plan frontal, l’artiste commence à modeler et à gratter la peinture visqueuse à l’aide de couteaux plats et de truelles. Le travail de Ha a un aspect graveleux, presque obsessionnel. Sa surface ondulée résulte de la manière dont il tire la peinture vers le haut par le bas ou vers le bas par le haut en fragments ressemblant à des rouleaux. Ces fragments sont puissants et tenaces car ils contrôlent fondamentalement la manière dont la surface évolue.

 Ha Chong-hyun, "Conjonction 96-151" (1996), huile sur toile de chanvre, 72,83 x 72,83 po. (avec la permission de la galerie Tina Kim)

Ha Chong-hyun, « Conjonction 96-151 » (1996), huile sur toile de chanvre, 72,83 x 72,83 po. (avec l’aimable autorisation de la galerie Tina Kim) (cliquez pour agrandir)

De temps en temps, Ha utilisera les couteaux pour inciser des signes coréens (Hangeul) à la surface, grattant avec défi un enchevêtrement de marques. Cette manœuvre grossière donne aux peintures un aspect sans équivoque lisse qui peut sembler contradictoire aux Occidentaux, mais d’un point de vue coréen, elle est paradoxale, ce qui signifie qu’elle est liée à la notion taoïste de yin-yang. Ces deux manifestations d’énergie (qi) fonctionnent de manière inéluctable comme une force unique dans l’univers. Autrement dit, la lumière est perçue à travers l’obscurité, la créativité est perçue à travers la destruction, etc. Les signes fragmentés de Ha, rapidement gravés à la surface du tableau, reflètent son défi contre l’arrogance du pouvoir dans l’histoire récente de son pays. Empruntant aux méthodes des peintres travaillant sous la dynastie Joseon (1392-1897), il donne à leur processus historique une place dans l’ère actuelle du mondialisme postmoderne.

Comme ses collègues de Dansaekhwa, Chung Chang-sup (1927-2011) a utilisé un seul concept pour articuler ce qu’il faisait. Plutôt que de donner des titres individuels à ses peintures, son travail tournait autour d’un seul concept, la méditation. L’exposition du même nom à la Galerie Perrotin comprend des peintures anciennes des années 1980 et 90, mais aussi des dernières années de sa carrière très productive. Comme Ha, Chung a utilisé des techniques traditionnelles, en se concentrant sur le qi (ou énergie intrinsèque) qu’il croyait inculqué dans les espaces de la peinture. L’empreinte monochrome de Chung est indélébile dans son travail, avec sa palette de pigments minimaux tirés du sol, y compris le noir de charbon de bois, le bleu foncé, le blanc, l’oxyde rouge densément appliqué et d’autres couleurs de terre claires et sombres.

 Vue de l'exposition 'Méditation' à la Galerie Perrotin (photo de Guillaume Ziccarelli, courtesy Galerie Perrotin)

Vue de l’exposition ‘Chung Chang-sup: Méditation’ à la Galerie Perrotin (photo de Guillaume Ziccarelli, courtesy Galerie Perrotin)

Les couleurs résonnantes et l’application sans entraves de pigments dans les peintures de ces artistes conservent une consistance emblématique de Dansaekhwa. Ce sont des peintures conceptuelles véhiculant un point de vue oriental, spécifiquement coréen dans leur physicalité tendue et rugueuse. Même à l’époque pré-Internet, il est probable que les artistes étaient au courant du minimalisme new-yorkais, mais cela ne devrait pas impliquer qu’il ait été le catalyseur de ces peintures. L’orientation du minimalisme tendait vers les objets dans l’espace réel et en temps réel, et vers le rôle du corps comme moyen d’articuler la perception. Les artistes Dansaekhwa n’étaient pas impliqués dans le genre de préoccupations pragmatiques qui intéressaient les minimalistes. L’accent était mis sur une approche fondamentale de la peinture qui impliquait une lecture particulière et culturelle de la nature. Indirectement, leurs peintures ont résisté aux attentes sur le type d’art produit sous un régime autoritaire. Ils ont peint à partir des racines de la terre avec leurs propres pigments et leur sens cursif de la structure.

Les artistes Dansaekhwa ont en quelque sorte trouvé un moyen, au sein de leur propre histoire et culture, de faire quelque chose d’universel, même s’ils ont travaillé dans une relative obscurité pendant la majeure partie de leur vie. Ce que les spectateurs contemporains peuvent découvrir dans le travail des peintres monochromes coréens, c’est à quel point la nature est ressentie à travers l’acte de peindre, et à quel point ils trouvent clairement l’affirmation dans ce processus — totalement en un avec eux-mêmes, simplement en faisant leur travail.

 Chung Chang-sup, "Sans titre" (1992), fibre tak sur toile, 102 3/8 x 153 17/32 po. (photo de Guillaume Ziccarelli, courtesy Galerie Perrotin)

Chung Chang-sup, « Sans titre » (1992), fibre tak sur toile, 102 3/8 x 153 17/32 in. (photo de Guillaume Ziccarelli, courtesy Galerie Perrotin) (cliquez pour agrandir)

Ha Chonghyun: La conjonction se poursuit à la galerie Tina Kim (525 West 21st Street, Chelsea, Manhattan) jusqu’au 12 décembre.

Chung Chang-Sup : La méditation se poursuit à la Galerie Perrotin (909 Madison Avenue, Upper East Side, Manhattan) jusqu’au 23 décembre.

Yun Hyong-keun continue à Blum & Poe (19 East 66th Street, Upper East Side, Manhattan) jusqu’au 23 décembre.

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