Koreas Bewegung für monochrome Malerei hat einen New Yorker Moment

 Installationsansicht von 'Yun Hyong-keun' in Blum Poe (Foto mit freundlicher Genehmigung von Blum Poe)

Installationsansicht von ‚Yun Hyong-keun‘ in Blum & Poe (Foto mit freundlicher Genehmigung von Blum & Poe)

Der Begriff Dansaekhwa oder „monochrome Malerei“ mag sich Lesern entziehen, die mit Koreanisch nicht vertraut sind, aber er repräsentiert wohl Koreas wichtigste Kunstbewegung des späten 20. Die Künstler, die diesen Malansatz praktizierten, entstanden in den frühen 1970er Jahren, als die Republik Korea noch unter einer Militärdiktatur stand. Zu ihnen gehörten unter anderem Park Seo-bo, Ha Chong-hyun, Yun Hyong-keun, Kim Whanki, Chung Chang-sup, Chung Sang-hwa und Lee Ufan. Diese Maler waren unzufrieden mit der kulturellen Trägheit in Südkorea und begannen auf eine Weise zu malen, die die normative Ästhetik, an die die meisten Koreaner gewöhnt waren, in Frage stellte. Zu Beginn arbeiteten die Künstler unabhängig ohne Gruppennamen oder Identität. Erst eine Ausstellung im Gwangju City Art Museum im Jahr 2000 führte den Begriff Dansaekhwa ein.

Das Erscheinen des Wortes fiel mit dem 20.Jahrestag des Gwangju-Aufstands zusammen, einem wichtigen Moment in der modernen koreanischen Geschichte, als Demonstranten auf die Straße gingen, um sich der damals herrschenden Militärdiktatur zu widersetzen. In vielerlei Hinsicht war dieser Aufstand mit den Protesten auf dem Platz des Himmlischen Friedens in Peking fast ein Jahrzehnt später vergleichbar. In ähnlicher Weise eröffneten bewaffnete Soldaten in Gwangju das Feuer auf Studenten und normale Bürger in einer Reihe von Zusammenstößen, die Hunderte von Menschenleben kosteten. Dieses traurige, aber entscheidende historische Ereignis wird allgemein als das Ende der Militärregierung in Südkorea und der Beginn einer freien Demokratie, wie die Republik heute genannt wird, bezeichnet. In den 1970er Jahren, vor dem Gwangju-Aufstand, war das unterdrückerische Regime eine bindende Kraft im Untergrund unter den Dansaekhwa-Künstlern in Seoul.

Yun Hyong-keun, "Umbra-Blau" (1978), Öl auf Leinen, 25 13/16 x 31 7/8 in. (courtesy Blum Poe)

Yun Hyong-keun, „Umber-Blue“ (1978), Öl auf Leinen, 25 13/16 x 31 7/8 in. (courtesy Blum & Poe) (zum Vergrößern klicken)

Eine der führenden Figuren von Dansaekhwa war Yun Hyong-keun (1928-2007), dessen Werk derzeit im Blum & Museum in New York zu sehen ist. Die Ausstellung zeigt eine Auswahl kleiner und mittelgroßer Gemälde aus seinen endgültigen Serien Burnt Umber und Ultramarine, die 1972 begannen und den Rest seiner Karriere fortsetzten. Die mineralischen Pigmente werden gemischt und in einer Reihe von dicht konstruierten Overlays aufgetragen, meist mit Öl auf Leinen gegossen, wobei zwei Farben als Symbol für Erde und Luft verwendet werden. Yuns Formen suggerieren Bäume und Felsbrocken sowie geometrische Strukturen, die alle stark reduktiv gegossen und bemalt sind. In Bezug auf die Bedeutung und Herkunft dieser Gemälde wird Yun in einer kürzlich erschienenen Monographie zitiert: „Ich habe keine Ahnung, was ich malen soll und an welchem Punkt ich aufhören soll zu malen. Dort, inmitten solcher Unsicherheit, male ich einfach. Ich habe kein Ziel vor Augen. Ich möchte das malen, was nichts ist, das mich endlos inspirieren wird, weiterzumachen.“

Selten klingt die Aussage eines Künstlers in seiner Beschreibung des Malprozesses so genau. Diese Qualität in Yuns Arbeit zu spüren, ist vielleicht der Grund, warum der minimalistische Bildhauer Donald Judd Anfang der 1990er Jahre die Gemälde des weniger bekannten koreanischen Künstlers annahm. Judds Einführung in die Arbeit des Künstlers und schließlich in den Künstler selbst führte den Minimalist schließlich dazu, eine Auswahl von Yuns Gemälden in der Chinati Foundation in West Texas (und später in New York City) zu sammeln und zu installieren. Die Ausstellung im Blum & Poe ist die erste in New York, seit Judds Sammlung von Werken des Künstlers vor 18 Jahren hier zum ersten Mal gezeigt wurde. In der jüngsten Konstellation von Ausstellungen mit Dansaekhwa-Künstlern in New York erscheinen Yuns Gemälde zutiefst reflektierend, standhaft im Auftreten und unaufhaltsam destilliert in Bezug auf den hermetischen Stil des Künstlers mit organischen und geometrischen Formen und Farben.

Blick auf die Ausstellung 'Ha Chong-hyun: Conjunction' in der Tina Kim Gallery (Foto mit freundlicher Genehmigung der Tina Kim Gallery)

Blick auf die Ausstellung ‚Ha Chong-hyun: Conjunction‘ in der Tina Kim Gallery (Foto mit freundlicher Genehmigung der Tina Kim Gallery)

Ein anderer der Dansaekhwa-Künstler, Ha Chong-hyun, passte zu Yun in seinem langfristigen Engagement für eine bestimmte Serie, die von einem konzeptuellen und spirituellen Rahmen geprägt war. Has wichtige Arbeit, genannt Conjunction — und derzeit Gegenstand einer Ausstellung in der Tina Kim Gallery – begann in den frühen 1970er Jahren. Seine Leinwände variieren mehr als andere Dansaekhwa-Maler, aber sie behalten eine Konsistenz durch ihren aggressiven Reduktivismus. Has Formen weichen nicht leicht von seiner Herangehensweise an die Malerei der Joseon-Dynastie aus dem 17.Jahrhundert ab, bei der die Pigmente hinter dem Leinen (oder früher grober Sackleinen) durch das Gewebe und die porösen Öffnungen gedrückt werden. Sobald die Pigmente in die Frontalebene gelangen, beginnt der Künstler, die viskose Farbe mit flachen Messern und Kellen zu modellieren und abzukratzen. Has Arbeit hat einen düsteren, fast obsessiven Look. Seine wellige Oberfläche resultiert aus der Art und Weise, wie er die Farbe von unten nach oben oder von oben nach unten in scrollartige Fragmente zieht. Diese Fragmente sind kraftvoll und hartnäckig, da sie die Art und Weise, wie sich die Oberfläche entwickelt, grundlegend steuern.

Ha Chong-hyun, "Conjunction 96-151" (1996), Öl auf Hanftuch, 72,83 x 72,83 in. (courtesy Tina Kim Gallery)

Ha Chong-hyun, „Conjunction 96-151“ (1996), Öl auf Hanftuch, 72,83 x 72,83 Zoll. (courtesy Tina Kim Gallery) (zum Vergrößern klicken)

Gelegentlich verwendet Ha die Messer, um koreanische Zeichen (Hangeul) in die Oberfläche einzuschneiden und trotzig eine Verwicklung von Markierungen zu zerkratzen. Dieses grobe Manövrieren verleiht den Gemälden ein eindeutig glattes Aussehen, das den Westlern widersprüchlich erscheinen mag, aber aus koreanischer Sicht paradox ist, was bedeutet, dass es mit der taoistischen Vorstellung von Yin-Yang verbunden ist. Diese beiden Manifestationen von Energie (Qi) funktionieren unausweichlich als eine einzige Kraft im Universum. Anders ausgedrückt, Licht wird durch Dunkelheit wahrgenommen, Kreativität wird durch Zerstörung wahrgenommen und so weiter. Has fragmentierte Zeichen, die schnell in die Oberfläche des Gemäldes eingraviert sind, spiegeln seinen Trotz gegen die Arroganz der Macht in der jüngeren Geschichte seines Landes wider. Ausgehend von den Methoden der Maler der Joseon-Dynastie (1392-1897) gibt er ihrem historischen Prozess einen Platz in der gegenwärtigen Ära des postmodernen Globalismus.

Wie seine Dansaekhwa-Kollegen verwendete Chung Chang-sup (1927-2011) ein einziges Konzept, um zu artikulieren, was er tat. Anstatt seinen Gemälden einzelne Titel zu geben, drehte sich sein Werk um ein einziges Konzept, die Meditation. Die gleichnamige Ausstellung in der Galerie Perrotin umfasst frühe Gemälde aus den 1980er und 90er Jahren, aber auch aus den letzten Jahren seiner hochproduktiven Karriere. Wie Ha verwendete Chung traditionelle Techniken und konzentrierte sich auf das Qi (oder die innere Energie), von dem er glaubte, dass es in die Räume des Gemäldes eingeflößt wurde. Chungs monochromer Abdruck ist in seiner Arbeit unauslöschlich präsent, mit seiner Palette minimaler Pigmente aus dem Boden, einschließlich Kohleschwarz, Dunkelblau, Weiß, dicht aufgetragenem rotem Oxid und anderen hellen und dunklen Erdfarben.

Blick auf die Ausstellung 'Meditation' in der Galerie Perrotin (Foto von Guillaume Ziccarelli, courtesy Galerie Perrotin)

Blick auf die Ausstellung ‚Chung Chang-sup: Meditation‘ in der Galerie Perrotin (Foto von Guillaume Ziccarelli, Courtesy Galerie Perrotin)

Die resonanten Farben und der ungehinderte Pigmentauftrag in den Gemälden dieser Künstler behalten eine Konsistenz, die für Dansaekhwa emblematisch ist. Es sind konzeptuelle Gemälde, die eine östliche Sichtweise vermitteln, insbesondere koreanisch in ihrer straffen und rauen Körperlichkeit. Selbst in jenen Tagen vor dem Internet waren sich die Künstler wahrscheinlich des New Yorker Minimalismus bewusst, aber dies sollte nicht bedeuten, dass er der Katalysator für diese Gemälde war. Die Ausrichtung des Minimalismus tendierte zu Objekten im realen Raum und in Echtzeit und zur Rolle des Körpers als Mittel zur Artikulation der Wahrnehmung. Die Dansaekhwa-Künstler waren nicht an den pragmatischen Anliegen beteiligt, die die Minimalisten interessierten. Ihr Schwerpunkt lag auf einer grundlegenden Herangehensweise an die Malerei, die eine bestimmte, kulturelle Lektüre der Natur beinhaltete. Indirekt widersetzten sich ihre Bilder den Erwartungen an die Art von Kunst, die unter einem autoritären Regime produziert wurde. Sie malten aus den Wurzeln der Erde mit ihren eigenen Pigmenten und ihrem kursiven Sinn für Struktur.

Die Dansaekhwa-Künstler fanden irgendwie einen Weg in ihrer eigenen Geschichte und Kultur, etwas Universelles zu verwirklichen, obwohl sie die meiste Zeit ihres Lebens in relativer Dunkelheit arbeiteten. Was zeitgenössische Betrachter in den Arbeiten der koreanischen monochromen Maler entdecken können, ist, wie tief die Natur durch den Akt des Malens empfunden wird und wie deutlich sie in diesem Prozess Bestätigung finden — ganz eins mit sich selbst, einfach ihre Arbeit tun.

Chung Chang-sup, "Ohne Titel" (1992), Tak-Faser auf Leinwand, 102 3/8 x 153 17/32 in. (foto von Guillaume Ziccarelli, Courtesy Galerie Perrotin)

Chung Chang-sup, „Ohne Titel“ (1992), Tak-Faser auf Leinwand, 102 3/8 x 153 17/32 in. (Foto von Guillaume Ziccarelli, Courtesy Galerie Perrotin) (zum Vergrößern klicken)

Ha Chonghyun: Conjunction wird bis zum 12.Dezember in der Tina Kim Gallery (525 West 21st Street, Chelsea, Manhattan) fortgesetzt.

Chung Chang-Sup: Meditation geht bis zum 23.Dezember in der Galerie Perrotin (909 Madison Avenue, Upper East Side, Manhattan) weiter.

Yun Hyong-keun fährt bis zum 23.Dezember bei Blum & Poe (19 East 66th Street, Upper East Side, Manhattan) fort.

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