Koreas monokrome maleri bevægelse har et nyt øjeblik

Installation visning af 'Yun Hyong-keun' på Blum Poe (Foto høflighed Blum Poe)

Installation visning af ‘Yun Hyong-keun’ på Blum & Poe (Foto høflighed Blum & Poe)

udtrykket Dansaekhva, eller” monokrom maleri, ” kan undgå læsere, der ikke er bekendt med koreansk, men det repræsenterer uden tvivl Koreas vigtigste kunstbevægelse i slutningen af det 20.århundrede. Kunstnerne, der praktiserede denne tilgang til maleri, begyndte at dukke op i begyndelsen af 1970 ‘ erne, da Republikken Korea stadig var under et militært diktatur. De inkluderede Park Seo-bo, Ha Chong-hyun, Yun Hyong-keun, Kim, Chung Chang-sup, Chung Sang-HV, og Lee Ufan, blandt andre. Disse malere var utilfredse med den kulturelle lethed i Sydkorea og begyndte at male på en måde, der udfordrede den normative æstetik, som de fleste koreanere var vant til. I starten arbejdede kunstnerne uafhængigt uden gruppenavn eller identitet. Det var først i en udstilling i 2000 på Kunstmuseet, at udtrykket Danskerkhva blev introduceret.

udseendet af ordet faldt sammen med 20-årsdagen for Gvangju-opstanden, et vigtigt øjeblik i moderne koreansk historie, da demonstranter gik på gaden for at trodse det militære diktatur, der var i kontrol på det tidspunkt. I mange henseender var dette oprør sammenligneligt med Den Himmelske Freds Plads protester i Beijing næsten et årti senere. På samme måde åbnede væbnede soldater ild mod studerende og almindelige borgere i en række sammenstød, der kostede hundreder af liv. Denne triste, men afgørende historiske begivenhed nævnes generelt som afslutningen på militærregeringen i Sydkorea og begyndelsen på et frit demokrati, som Republikken er kendt i dag. I løbet af 1970 ‘ erne var det undertrykkende regime en bindende styrke i undergrunden blandt danskernes kunstnere i Seoul.

 Yun Hyong-keun, "Umber-Blue" (1978), olie på linned, 25 13/16 * 31 7/8 tommer. (høflighed Blum Poe)

Yun Hyong-keun, “Umber-Blue” (1978), olie på linned, 25 13/16 * 31 7/8 in. (høflighed Blum & Poe) (klik for større billede)

Yun Hyong-keun (1928-2007), hvis arbejde i øjeblikket ses på Blum & Poe. Udstillingen indeholder et udvalg af små og mellemstore malerier fra hans endelige Burnt Umber og Ultramarine serie, som begyndte i 1972 og fortsatte gennem resten af hans karriere. Mineralpigmenterne blandes og påføres i en række tæt konstruerede overlejringer, for det meste hældt olie på linned, ved hjælp af to farver, der er symbolske for jord og luft. Yuns former antyder træer og kampesten såvel som geometriske strukturer, alle hældt og malet på en meget reduktiv måde. Med hensyn til betydningen og oprindelsen af disse malerier citeres Yun som i en nylig monografi: “jeg aner ikke, hvad jeg skal male, og på hvilket tidspunkt jeg skal stoppe med at male. Der, midt i en sådan usikkerhed, maler jeg bare. Jeg har ikke et mål i tankerne. Jeg vil male det noget, der ikke er noget, der vil inspirere mig uendeligt til at fortsætte.”

sjældent lyder en kunstners erklæring så nøjagtig i sin beskrivelse af maleriprocessen. At føle denne kvalitet i Yuns arbejde er måske det, der førte til, at den minimalistiske billedhugger Donald Judd omfavnede den mindre kendte koreanske kunstners malerier i begyndelsen af 1990 ‘ erne. Judds introduktion til kunstnerens arbejde og endelig til kunstneren selv førte til sidst Minimalisten til at samle og installere et udvalg af Yuns malerier på Chinati Foundation i Vestteksten. Udstillingen på Blum & Poe er den første i NYC, siden Judds samling af kunstnerens værk først blev vist her for 18 år siden. Blandt de seneste konstellationer af udstillinger med danske kunstnere fremstår Yuns malerier dybt reflekterende, robuste i opførsel og ubønhørligt destilleret med hensyn til kunstnerens hermetiske stil af organiske og geometriske former og farver.

 visning af udstillingen 'Ha Chong-hyun: Konjunktion' på Tina Kim Gallery (foto med tilladelse til Tina Kim Gallery)

visning af udstillingen ‘Ha Chong-hyun: Konjunktion ‘ på Tina Kim Gallery (foto med tilladelse til Tina Kim Gallery)

en anden af danskernes kunstnere, Ha Chong-hyun, matchede Yun i hans langsigtede engagement i en bestemt serie informeret af en konceptuel og åndelig ramme. Ha ‘s vigtige arbejde, kaldet Konjunktion — og i øjeblikket genstand for en udstilling på Tina Kim Gallery-begyndte i begyndelsen af 1970’ erne. hans lærreder har tendens til at variere mere end andre danske malere, men de bevarer en konsistens gennem deres aggressive reduktivisme. Ha ‘ s former springer ikke let fra hans tilgang til det 17.århundrede, Joseon-dynastiets maleri, hvor pigmenterne skubbes bag linnedet (eller tidligere grov jute) gennem vævningen og porøse åbninger. Når pigmenterne passerer igennem til frontplanet, begynder kunstneren at modellere og skrabe den tyktflydende maling ved hjælp af flade knive og murske. Ha ‘ s arbejde har et gritty, næsten obsessivt udseende. Hans bølgede overflade skyldes den måde, hvorpå han trækker malingen op fra bunden eller ned fra toppen til rullelignende fragmenter. Disse fragmenter er kraftige og ihærdige, da de grundlæggende styrer den måde, overfladen udvikler sig på.

 Ha Chong-hyun, "Konjunktion 96-151" (1996), olie på hampeklud, 72,83 * 72,83 tommer. (courtesy Tina Kim Gallery)

Ha Chong-hyun, “Konjunktion 96-151” (1996), olie på hampeklud, 72.83 * 72.83 in. (courtesy Tina Kim Gallery) (klik for større billede)

lejlighedsvis vil Ha bruge knivene til at skære koreanske tegn (Hangeul) ind i overfladen og trodsigt skrabe en sammenfiltring af mærker. Denne grove manøvrering giver et utvetydigt glat udseende til malerierne, der kan virke modstridende for vesterlændinge, men fra et koreansk synspunkt er det paradoksalt, hvilket betyder, at det er forbundet med den taoistiske forestilling om yin-yang. Disse to manifestationer af energi (chi) fungerer uundgåeligt som en enkelt kraft i universet. Sagt på en anden måde, lys opfattes gennem mørke,, kreativitet opfattes gennem ødelæggelse, og så videre. Ha ‘ s fragmenterede tegn, hurtigt ætset ind i maleriets overflade, afspejler hans Trods mod magtens arrogance i sit lands nylige historie. Låner fra metoderne til malere, der arbejder under Joseon-dynastiet (1392-1897), giver han deres historiske proces et sted i den nuværende æra af postmoderne globalisme.

Chung Chang-sup (1927-2011) brugte et enkelt koncept til at formulere, hvad han gjorde. I stedet for at give individuelle titler til sine malerier drejede hans arbejde sig om et enkelt koncept, Meditation. Udstillingen med samme navn på Galerie Perrotin inkluderer tidlige malerier fra 1980 ‘erne og 90’ erne, men også fra de sidste år af hans meget produktive karriere. Ligesom Ha brugte Chung traditionelle teknikker med fokus på den Chi (eller indre energi), som han mente var indpodet i maleriets rum. Chungs monokrome aftryk er uudsletteligt til stede i hans arbejde, med sin palet af minimale pigmenter trukket fra jorden, inklusive Trækul Sort, Mørkeblå, hvid, tæt påført rød ilt, og andre lyse og mørke jordfarver.

visning af udstillingen 'Meditation' på Galerie Perrotin (foto af Guillaume Siccarelli, høflighed Galerie Perrotin)

visning af udstillingen ‘ Chung Chang-sup: Meditation ‘ at Galerie Perrotin (foto af Guillaume Siccarelli, høflighed Galerie Perrotin)

de resonante farver og uhindret anvendelse af pigmenter i disse kunstneres malerier bevarer en konsistens, der er symbolsk for Dansaekhva. De er konceptuelle malerier, der formidler et østligt synspunkt, specifikt koreansk i deres stramme og robuste fysiske karakter. Selv i disse dage før internettet, det er sandsynligt, at kunstnerne var opmærksomme på Ny York Minimalisme, men dette skulle ikke antyde, at det var katalysatoren for disse malerier. Orienteringen af Minimalisme havde tendens til objekter i det virkelige rum og i realtid og mod kroppens rolle som et middel til at formulere opfattelse. Danskernes kunstnere var ikke involveret i den slags pragmatiske bekymringer, der interesserede Minimalisterne. Deres vægt var på en grundlæggende tilgang til maleri, der involverede en bestemt, kulturel læsning af naturen. Indirekte modstod deres malerier forventningerne til den slags kunst, der blev produceret under et autoritært regime. De malede fra jordens rødder med deres egne pigmenter og deres kursive følelse af struktur.

kunstnerne fandt på en eller anden måde en måde inden for deres egen historie og kultur at få noget universelt til at ske, selvom de arbejdede i relativ uklarhed gennem det meste af deres liv. Hvad nutidige seere kan opdage i de koreanske monokrome malers arbejde er, hvor dybt naturen mærkes gennem maleriets handling, og hvor tydeligt de finder bekræftelse i denne proces — helt i et med sig selv, simpelthen gør deres arbejde.

 Chung Chang-sup, "Untitled" (1992), tak fiber på lærred, 102 3/8 * 153 17/32 in. (foto af Guillaume Siccarelli, høflighed Galerie Perrotin)

Chung Chang-sup, “Untitled” (1992), tak fiber på lærred, 102 3/8 * 153 17/32 in. (foto af Guillaume Siccarelli, høflighed Galerie Perrotin) (klik for større billede)

Ha Chonghyun: Konjunktion fortsætter på Tina Kim Gallery (525 Vest 21st Street, Chelsea, Manhattan) til 12.December.

Chung Chang-Sup: Meditation fortsætter på Galerie Perrotin (909 Madison Avenue, Upper East Side, Manhattan) til 23.December.

Yun Hyong-keun fortsætter ved Blum & Poe (19 East 66th Street, Upper East Side, Manhattan) til 23.December.

Support Hyperallergic

da kunstsamfund rundt om i verden oplever en tid med udfordring og forandring, er tilgængelig, uafhængig rapportering om denne udvikling vigtigere end nogensinde.

overvej venligst at støtte vores journalistik og hjælpe med at holde vores uafhængige rapportering fri og tilgængelig for alle.

Bliv medlem

Skriv et svar

Din e-mailadresse vil ikke blive publiceret.